"Tu historia tiene una entrevista"

Dices que eres “pintamonas por devoción”, ¿por qué?

Mi padre siempre me llamaba así, en mi familia era una forma graciosa de referirse a lo que hago, y así, a lo tonto, adopté la palabra. Me gusta porque tiene un significado menos serio que el de artista o ilustradora, suena más divertido. Y lo soy por devoción porque, realmente, en España es muy difícil ganarse la vida con esto profesionalmente.
 
¿Qué es lo que te hizo dedicarte a esto?
Es que no sé hacer otra cosa… Estuve trabajando un mes de cajera en Hipercor y, como nunca me cuadraba la caja, me di cuenta de que o me dedicaba a hacer lo que me gustaba o la cosa no iba a ir muy bien (risas).
 
¿Has conseguido vivir de hacer cómics?
En realidad, no. En España quienes viven de esta industria son los editores y los distribuidores, pero los creadores malvivimos, no se reconoce bien nuestra parte. El trabajo que realmente nos da de comer a muchos es la ilustración publicitaria y la editorial.
 
Cuando haces ilustración publicitaria o editorial, ¿te contratan porque les gusta tu estilo o tienes que adaptarte a lo que piden?
En la editorial, el ilustrador se adapta más a lo que le piden, sobre todo, en la ilustración de libros de texto, donde el estilo está muy definido. La publicitaria es un poco más libre, no es tan impuesta, pero es muy tendenciosa. Es decir, si hay un tipo de ilustración que se lleva, como la de Ricardo Cavolo o la de Paula Bonet, se crean una serie de tendencias que todo el mundo sigue y que los directores de arte de las agencias de publicidad demandan. Creo que eso es un error, porque el verdadero papel del director de arte no es reconocer la tendencia, sino la calidad, la originalidad y la frescura del trabajo.
 
Como la fiebre de las ilustraciones de Jordi Labanda…
Eso es. Todos los directores de arte de revistas de moda querían ese tipo de ilustración: error garrafal. Mauro Entrialgo lo explicaba muy bien en una tira en la que salía un editor que decía: “Quiero que dibujes estas ilustraciones con el estilo de Jordi Labanda”. Y el dibujante le respondía: “¿Me vas a pagar como si fuera él?”. Lo importante es tener un estilo que resista las modas pasajeras.
 
Dentro de la ilustración publicitaria, ¿hay alguna marca para la que te encantaría trabajar?
Me gustaría trabajar para The New York Times o The New Yorker, porque son publicaciones que valoran mucho la ilustración. También me encantaría hacer carteles de teatro y de ópera, como hace Isidro Ferrer con el Centro Dramático Nacional.
 
¿Y para quién no trabajarías jamás?
Para un partido político conservador o para empresas cárnicas que tengan rollos chungos con los animales.
 
Has formado parte del jurado del Premio Nacional de Cómic de 2014, ¿qué tal la experiencia?
Muy difícil. Es muy duro porque hay mucha gente muy válida y estuvo muy apretado, pero, a la vez, es muy bonito. Lo que eché de menos fue que hubiera gente con más criterio, es decir, había ilustradores y editores, pero también había personas que no sabían nada del mundo del cómic y creo que lo suyo sería que conocieran más el medio que van a premiar, qué menos. La Asociación de Críticos y Divulgadores del Cómic (ACDCómic) ha pedido formar parte del jurado y a mí me parecería justo que estuvieran porque saben de qué va esto.
 
¿Quién propone a los candidatos?
Los miembros del jurado teníamos que proponer cuatro obras. Al final fueron unas 15 en total.
 
Los premiados fueron los creadores de Blacksad, Juan Díaz Canales y Juanjo Guarnido. ¿Estaban entre tus favoritos?
No, pero tenía claro que quería premiar a alguien con mucha trayectoria, así que, aunque no salió lo que yo quería, me pareció justo y me alegré.
 
Tienes una academia, Güiken School. ¿Por qué la pusisteis en marcha?
Fue una idea muy loca de mi amigo José Ignacio Molano (Mol) y mía. Surgió con el objetivo de hacer cursos de ilustración y de cómic bajo dos premisas: que fueran los fines de semana, para que pudieran apuntarse personas que no tuvieran tiempo entre semana, y que fueran muy asequibles. ¿Por qué? Porque, en general, las academias de dibujo son carísimas y esta es una profesión que no da para lujos.
 
¿Este oficio se puede aprender o tienes que tener el arte innato?
Hay gente que tiene más facilidad para dibujar, pero, al final, esto es un entrenamiento y puedes convertirte en un gran dibujante a base de práctica. Creo que uno se hace porque, aunque tengas mucho talento, si no trabajas no vas a dar mucho de sí. 

¿Qué sentiste cuando publicaste un cómic por primera vez?
Tenía 21 años y te sientes… es una pasada, te mueres del gusto (risas). Me podía más el ansia por publicar que la intelectualización del trabajo; eso llegó un poco más tarde. Mi primer tebeo (Hire, el terrible vampiro samurái) es una cosa muy chunga, pero le guardo muchísimo cariño. Aprendes sacando aciertos y errores.
 
Después te lo tomaste con más calma porque tardaste cuatro años en publicar El Brujo…
Me suele pasar con todo, empiezo con muchas ganas y luego me voy calmando (risas). La verdad es que necesité tomarme un respiro del mundo del cómic y, cuando me vinieron las ganas de dibujar otra vez, lo iba haciendo en mis ratos libres. Me lo tomé con calma y saqué una cosa totalmente distinta a lo que hacía cuando empecé, que era un cómic más de género y de aventuras. El resultado fue más artístico y el proceso, más complejo. Cada página está hecha con una técnica distinta y la idea era ver cómo influía la técnica en la narración, porque no es lo mismo dibujar una escena de una guerra con un pincel que con lápiz. Fue una obra larga, pero todo lo bueno se hace esperar (risas).
 
¿El esfuerzo se vio recompensado por la acogida que tuvo el cómic?
Hay gente que lo ha entendido, gente que no, personas a las que les gusta, otras a las que no… Tú lo haces con una intención, pero tampoco te puedes meter en la mente de cada lector. Lo bonito de este trabajo es que tendrá un sentido muy diferente para cada persona, y hay que estar muy abierto a eso porque cada uno tiene un bagaje cultural e intelectual.
 
Te encargas tanto de las ilustraciones como del guion, ¿qué haces antes?
Soy muy caótica, no soy nada ordenada. Normalmente empiezo por el proceso de storyboard, en el que dibujo las páginas en pequeñito y voy abocetando lo que quiero poner en cada una. Luego apoyo eso con un guion escrito puro porque necesito ver si los diálogos funcionan o no. Voy combinando esas dos cosas, pero depende del capítulo con el que esté.
 
¿Cuáles son tus referentes?
Muchos. En el cine, me gustan mucho Ingmar Bergman, Stanley Kubrick… En la literatura, Franz Kafka, Philip K. Dick, Richard Matheson, Ray Bradbury, León Tolstói… de todo. Y en el mundo del cómic me gusta mucho Osamu Tezuka, que tiene una obra maravillosa que se llama Fénix y que es de las que más me han marcado, Alberto Breccia y José Muñoz y Carlos Sampayo.
 
¿Cómo definirías tu estilo?
Uf, no sé cómo definirlo… Raro (risas). Geométrico y de colores extravagantes, por decir algo.
 
¿Es bueno tener un estilo muy definido?
Creo que no debe ser la prioridad de nadie. Cuanto más buscas un estilo, más huye de ti. El estilo viene con el tiempo, con la experiencia, con asimilar muchas cosas distintas. Tu estilo es lo que es por lo que tú eres. ¿Es bueno tenerlo? Hay gente que lo tiene y triunfa, como Jordi Labanda, y hay gente que es más ‘mercenaria’ y que decide adaptar su estilo a lo que está contando o al trabajo que se les propone, y hace lo que sea, desde humor gráfico hasta ilustración realista. Ambos caminos son igual de respetables. Hay ejemplos de ilustradores versátiles, como Raúl (Raúl Fernández Calleja) o Federico del Barrio, que son excepcionales.
 
Eres una de las fundadoras de la Asociación de Autoras de Cómic (AAC), ¿por qué era necesaria esta organización?
Porque, realmente, no tenemos la visibilidad que nos gustaría en el mundo del cómic, tanto desde el punto de vista de la autoría como dentro de la ficción. No es que nuestros compañeros nos quieran invisibilizar, es algo inconsciente, ha ocurrido en el cine, en la literatura… y en el cómic no iba a ser menos. Hay muchísimas autoras con un montón de trayectoria a las que ni se las conoce ni se las premia igual que a los hombres. Por ejemplo, todo el mundo sabe quién es Carlos Giménez, pero nadie sabe quién es Nuria Pompeia, que también tiene una larga trayectoria.
 
¿Hacer una asociación de mujeres no es autodiscriminarse?
Creo que, a lo largo de la historia, se ha demostrado que la lucha individual de las mujeres, salvo en casos excepcionales, no sirve para nada; la lucha en grupo hace más ruido. Ha habido mujeres con una trayectoria impecable y que han hecho mucho por intentar ser exactamente iguales que los compañeros, pero al final no se las conoce, así que no ha sido suficiente. Solamente hay una dibujante española de gran renombre, Purita Campos. Su Esther ha vendido más que Mortadelo y Filemón; pese a eso, se la conoce menos que a Francisco Ibáñez. Si no lo intentamos en grupo, no lo vamos a conseguir.